在上海的咖啡馆、茶馆、书店等空间，悄然兴起一种新潮流：白天商业业态，晚上演艺舞台，“双业态”乃至“多业态”灵活切换，聚集不同人群，叠加多元体验。

　　2019年，上海首推《上海市演艺新空间运营标准》，满足演出场次每年不低于50场等指标，便可将写字楼、商场、园区的非标准剧场转换为“演艺新空间”。迄今，上海正式授牌的“演艺新空间”已超过100家。

　　在授牌“演艺新空间”之外，越来越多空间开始拥抱演艺新业态。在咖啡馆、香氛店、自行车店，时间一到晚上7点30分，你可能会发现身边的陌生人突然开始了他们的表演。而一辆行驶在马路上的公交车，突然上来两位奇怪的乘客，车厢瞬间变成一个移动的小剧场。有业内人士把这些广泛多元的空间称作“新形态演艺空间”。

　　如同在纽约百老汇之外，有“外百老汇”，及“外外百老汇”，在那些狭小的咖啡馆、酒吧和旧车库里，诞生着源源不断的灵感和创意。正在打造“演艺大世界”、建设“亚洲演艺之都”的上海，也在进行着多层次业态的探索，营造商旅文体融合的消费体验新场景。

　　本报记者 吴桐

　　咖啡与戏剧的化学反应

　　位于上生·新所的“永久1940”，本月迎来一群戏剧人入驻，他们排演的沉浸式戏剧《广告牌》，将在即将开幕的第四届咖啡戏剧节上演。“永久1940”是上海老字号永久旗下的创新自行车品牌，空间里满满的工业风，门把手是修车工具制成的，墙面悬挂着车架，车链条嵌入地面。

　　但这不仅仅是一家自行车零售店，店内约一半的空间为餐饮区域，提供咖啡、甜品、轻食。“我们是一个集自行车零售、车辆改装维修、餐饮、社交活动等于一体的空间。”品牌主理人杨扬说。

　　这样一个看上去跟演艺“八竿子打不着”的空间，会带来怎样的观演体验？

　　“《广告牌》讲述的是一群当代大学毕业生的故事，它的故事可以发生在酒吧、仓库，也可以发生在咖啡馆，不同的空间可以带来不一样的体验。”上海现代人剧社总监张余说。

　　张余介绍，最早的咖啡戏剧诞生在20世纪初的法国巴黎。一群年轻戏剧家，把他们进不了剧院的作品，搬到巴黎随处可见的咖啡馆里上演。也许是作品的先锋性，也许是年轻戏剧家们的创意，让咖啡戏剧从巴黎走向欧洲其他国家，风靡一时。

　　2000年初，肇嘉浜路567号出现了一家“真汉咖啡剧场”，这可能是咖啡与戏剧第一次在上海联系得如此紧密。后来，安福路上出现过“永乐咖啡小剧场”，五角场出现过“创智环境咖啡剧场”，等等。这些空间上演的剧目吸引了许多大学生和青年白领观众，但遗憾未能长期运营下去。

　　2021年，上海以6000多家咖啡馆的数量，成为全球咖啡馆最多的城市。咖啡文化掀起高潮，“咖啡戏剧节”也在上生·新所应运而生。迄今，“咖啡戏剧节”已上演《备忘录》《迷幻变奏曲》《爱尔兰咖啡》《加薪秘诀》等十余部作品。

　　20年前，上海的戏剧人想要找到合作方和资助方，演一部咖啡戏剧，时常面临四处碰壁的窘境。20年后的今天，演艺新空间在上海的大街小巷次第生长，越来越多商家认识到文化对商业的加持，积极拥抱演艺新业态。

　　为何要主动参与咖啡戏剧节？在杨扬看来，现在开实体店，和传统零售店的思维有很大不同，体验感变得越来越重要。

　　在上生·新所，无论是书店还是香氛店，多多少少都在卖咖啡。咖啡的引入，让空间变得更有松弛感和人情味。在附近居住、上班的人，偶尔也会来店里办公、社交。同样，演艺内容的引入，也可以丰富空间体验，实现跨圈，吸引更多潜在用户。

　　杨扬说：“商业空间正在变得越来越开放、复合，靠有趣的内容吸引不同的客群来到这个空间，利用好这个空间。喜欢骑行的人可能也喜欢咖啡，喜欢咖啡的人可能也喜欢戏剧。当空间承载的不仅仅是商品，而是一种生活方式，就能营造出商旅文体融合的消费体验新场景。”

　　让观众成为演出的一部分

　　演员赵洁曾在小剧场、咖啡馆、书店等不同空间演过她自导自演的独角戏《雪莉·瓦伦丁》。她在剧中扮演一位被困在家庭琐事中的女性，渴望摆脱日益沉寂的生活状态，重获生命活力。

　　赵洁记得，有一次在茑屋书店演出，二楼的咖啡酒廊成了雪莉·瓦伦丁的厨房与会客厅。演出中，她亲手制作三明治，邀请观众品尝。

　　“你好吗？”在剧中，赵洁有这样一句台词，她对着与自己相隔咫尺的女性观众讲出来。这位女士先是点了点头，赵洁继续和她四目相对，只见她又有些无奈地摇了摇头。最后，她站起来，给了赵洁一个拥抱。

　　“当时这位观众的反应，给了我很大的触动。我想，这就是新空间和传统剧场的区别，它打破了‘第四堵墙’，让演员和观众变得如此之近，我们之间产生真实而深入的互动和影响。如果这部戏能让雪莉折射出观众内心最隐秘的真实，从而被理解被倾听，那就是咖啡戏剧带来的意外惊喜。”赵洁说。

　　赵洁毕业于上海戏剧学院表演系，一开始活跃在传统剧场舞台。她第一次尝试在演艺新空间演出，是2018年在思南公馆上演环境戏剧《意浓马提尼》。迄今，她已在咖啡馆、书店、公寓等各式各样的新空间演出超百场，并担任多部作品的制作人、导演。

　　一开始，习惯了传统剧场舞台的赵洁，并不适应演艺新空间。“离观众太近了，观众就坐在我旁边，对演员的专注力是极大的挑战。此外还要学会如何与观众互动，营造更多沉浸感，这也需要演员的自我突破。”

　　“95后”观众周洋在北京工作，每年都会在法定假期或年假，把不小的一笔支出用于“打飞的”来上海看戏。每次来，她都会住在人民广场周边，成为演艺大世界各大演艺新空间的常客。有的戏她是慕名而来，有的戏是意外邂逅。有时候路过一家餐厅和咖啡馆，正好看到海报，晚上有沉浸式戏剧上演，她就碰碰运气走进去看看。

　　在周洋看来，新空间演艺最大的吸引力，就是“多重体验”的叠加。“酒也喝了，戏也看了，有时还会被演员邀请上台‘对戏’，过过瘾，释放压力。更有趣的是，物以类聚，我在这样的空间里结识过好友，也‘捡’到过客户。明明奔着看戏去的，一聊发现还能做业务。看完戏，顺道把合作谈了。”

　　在赵洁看来，和传统剧场的观众相比，新空间的观众群体有很大不同。他们以“90后”“00后”为主，非常年轻，比起传统剧场的观众，他们更喜欢轻松、随意的观演氛围，注重参与感和体验感，希望自己可以成为演出的一部分。在快节奏的都市生活里，戏剧为他们提供了情绪价值，带来心灵的疗愈。这是新空间演艺火爆的重要原因。

　　把“硬伤”变成核心竞争力

　　当导演张笑帆第一次走进朵云书院·戏剧店三楼空间时，他心里有些没底，不知道在这个空间做一部原创戏剧，究竟会是什么模样。

　　首先映入眼帘的，是这个空间直接的“硬伤”：跟标准剧场比起来，这里的灯光、音响都有明显的缺陷。但激发他创作冲动的，正是这一空间的独特性。“朴素的空间，老旧的回廊，从窗户望出去，可以看到上海的小马路和梧桐树。让人想要去探索，这个空间的边界在哪里？”

　　于是，原创戏剧《惊鸿变》在这里诞生了。书店三楼变身拥有6个演区的剧场，演员在观众中穿行。没有灯光，演员就手持光源，影子投射在墙壁上，形成独特的氛围感。有一场“梦境戏”，演员在阳台，隔着玻璃演，给观众带来亦真亦幻的感受。“因陋就简，因地制宜，把劣势转化成优势，给观众带来意想不到的惊喜。”张笑帆说。

　　去年首演以来，《惊鸿变》已在朵云书院·戏剧店累计演出17场。这个从舞台上生发的原创IP，还延伸出小说，在网络上连载。书店孕育了戏剧，戏剧又反哺了文学。世纪朵云还和笑懿迦文化合作推出演艺厂牌“创意共生场”，多个项目正在孵化中。

　　在新空间创作，张笑帆特别强调“共生”的理念：“创作者和演员之间、演员和观众之间、作品和空间之间，都是共生关系。我们每场演完都有演后谈，在B站直播，聆听线上线下观众的反馈，有好建议我们就会吸取，迅速迭代，最终共创出一部既具欣赏性又具商业性的作品。这种灵活性，是传统剧场不具备的。”

　　近年来，张笑帆和他的团队在各式各样的文旅空间进行过探索。豫园的九曲桥、宋城的一艘船、古镇的一个茶馆，还有餐厅、农田甚至滑雪场。这些看似跟演艺不相关的空间，被他称作广泛的“新形态演艺空间”。

　　去年上海旅游节期间，张笑帆导演了开心麻花出品的《开心巴士》，将一辆双层旅游巴士变成一个移动的剧场。两位“不速之客”登上巴士，和乘客们开启了一段奇幻旅程。巴士驶过大世界、东方明珠、陆家嘴“三件套”以及东昌路码头、外白渡桥、人民英雄纪念塔、外滩等城市地标，把观剧、赏景、购物、交友融为一体。

　　近年来，从上海到全国各地，新形态演艺空间呈快速增长之势，涌现过许多成功的案例，也有不少失败的案例。有的空有噱头，有的形式大于内容，让观众期待落空。

　　张笑帆认为，对新空间的文旅探索，好的创意，可以起到“四两拨千斤”的效果，将空间的劣势转化成核心竞争力，产生独一无二的体验。但如果剧情、交互、体验和空间不适配，就会“翻车”。“这些新形态演艺空间差异很大，唯有在深度理解空间的基础上发挥创造力，做到‘一戏一格’，情景交融，才能实现文化和商业的共赢。”